Живопись - изображение на плоскости картин реального мира, преобразованных творческим воображением художника; выделение элементарного и наиболее популярного эстетического чувства - чувства цвета в особую сферу и превращение его в одно из средств художественного освоения мира.
В древней живописи соотношение изображаемых явлений было не столько пространственным, сколько смысловым. На острове Чэм (Австралия, залив Карпентария) в древней пещере на белой стене черной и красной краской нарисованы кенгуру, преследуемые тридцатью двумя охотниками, из которых третий по порядку ростом вдвое выше остальных, так как изображает вождя.
Древнеегипетские художники ради смыслового выделения также изображали фигуру военачальника в несколько раз большей, чем фигуры его воинов. Это были первые композиционные акценты живописи, не знавшей перспективы. В древности графика и живопись были близки не только друг другу, но и литературе. Древнекитайскую и древнеегипетскую живопись и графику роднит повествовательность. Картина - цепь событий, рассказ, развернутый в ряде фигур. Уже на этом раннем этапе развития живопись выражает на плоскости разные точки зрения на предмет. Художники Древнего Египта рисовали на лице, изображенном в профиль, оба глаза, а живописцы Южной Меланезии изображают плоскости, скрытые от прямого взгляда: над головой человека рисуют диск, обозначающий затылок, или двойное лицо, передающее «круговой взгляд». Древний художник не воспринимал красоту пейзажа.
Античный художник хорошо знает анатомию уже не только животного, но и человека. В воспитании воина участвуют гимнастика, музыка и изобразительное искусство, чувствующее красоту и силу человеческого тела, что имеет глубокие социально-исторические корни. Олимпийские игры и скульптурные изображения героев выполняют близкие социально-эстетические функции: воспитание нужных рабовладельческой демократии воинов - защитников Эллады и добытчиков рабов для ее экономического развития.
Средневековая живопись давала условно-плоскостное изображение мира. Композиция акцентировала не удаленность предмета от глаза наблюдателя, а его смысл и значение. Эти же особенности присущи русской иконописи. Средневековье еще не знает анатомического различия взрослого и ребенка: на картинах Христос-младенец - это взрослый человек в уменьшенных размерах. Средневековое изобразительное искусство вглядывается во внутренний мир человека, проникает вглубь его духа. На смену культу красоты обнаженного тела приходит мода на драпирующие тело, ниспадающие до пола одежды. Характерно монашеское одеяние, скрадывающее очертания фигуры человека, делающее его облик бесформенным и бесполым.
Возрождение воскрешает культ обнаженного тела, подчеркивая не только его красоту и мощь, но и чувственную привлекательность. Радость бытия, духовное и чувственное наслаждение жизнью сквозят в живописи, воспевающей прелесть женского тела, его джорджоневскую целомудренность, рубенсовскую пышность, тициановскую земную и небесную красоту, эль-грековскую одухотворенность.
Живопись в системе видов искусства эпохи Возрождения играет ведущую роль. Художники утверждают общечеловеческое значение живописи, не нуждающейся, подобно литературе, в переводе на другой язык Леонардо да Винчи писал: «…если поэт служит разуму путем уха, то живописец - путем глаза, более достойного чувства… Картина, так много более полезная и прекрасная, понравится больше… Выбери поэта, который описал бы красоту женщины ее возлюбленному, и выбери живописца, который изобразил бы ее, и ты увидишь, куда природа склонит влюбленного судью».
Гении всегда появляются на самом необходимом участке общественной практики. И не случайно эпоха Возрождения дала таких великих художников, как Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рубенс, Тициан.
Антиаскетический, антисхоластический пафос эпохи, порыв к богатству жизни, к ее духовным и чувственным радостям полное выражение находят именно в живописи («Весна» Боттичелли). Художники передают возрастную анатомию человека (дитя на руках Мадонны Литты Леонардо да Винчи - не карлик, а действительно младенец), открывают динамическую анатомию человека при разных темпах и резкости, ракурсах, направлениях движения (фрески плафона Сикстинской капеллы Микеланджело).
В эпоху Возрождения сложились развернутые принципы перспективно-пространственной композиции. Расположение фигур в картине раскрывало их жизненные взаимоотношения. Возрождение открыло законы перспективы или даже шире - свободное владение пространством. Идея перспективы разрабатывалась Брунеллески и Альберти, которые учили организовывать пространство в картине по принципам усеченной пирамиды, образуемой лучами, идущими от предметов к нашему глазу. Об овладении пространством говорит не только построение перспективы (например, в «Тайной вечере» Леонардо да Винчи), но и создание «дематериализованного» пространства.
В XIX в. завершается наметившийся уже ранее процесс размежевания живописи и графики. Специфика графики - линейные соотношения, воспроизведение формы предметов, передача их освещенности, соотношения света и тени. Живопись запечатлевает соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие окружающему. Процесс размежевания живописи и графики завершают импрессионисты. Они ничего не передают вне цвета, все линейное для них второстепенно; не рисунок, а цветовые соотношения изображаемых предметов становятся основным носителем эстетического смысла. Живопись обретает независимость от рисунка, ранее бывшего главной ее целью и приближается к музыке, удаляясь от литературы.
В ХХ в. резко меняется характер живописи. На нее воздействуют фото, кино, телевидение, широта и разнообразие впечатлений современного человека, воспринимающего реальность и с больших высот, и на больших скоростях, и в неожиданных ракурсах, и с переменных, движущихся точек зрения. Углубляется интеллектуальный и психологический мир человека. Появление фотографии и освоение ею цвета поставило перед живописью новые задачи. Просто запечатлеть объект на память теперь может фотография. В живописи ХХ в. возрастает роль субъективного начала, обостряется значение личного видения, индивидуального восприятия жизни (вспомним «Мартовский снег» Грабаря).
Смыслообразующие элементы живописи - обработанное плоское основание, правильные края картины и рама (в наскальной живописи эти элементы отсутствовали). В Новое время появилась живопись, не изображающая глубинного пространства и не обрамленная. Ее аналогом стала скульптура без пьедестала - подвешенная или стоящая на земле. Знаковый смысл имеют части изобразительной плоскости, место изображения предмета на ней. На портрете кисти Мунка погруженный в себя субъект расположен немного сбоку в пустом пространстве. Это создает художественно-смысловой эффект грусти и отчуждения, который усиливает поза портретируемого.
Архитектура. Когда человек научился изготавливать орудия труда, его жильем стала уже не нора или гнездо, а целесообразная постройка, постепенно обретавшая эстетический вид. Строительство стало архитектурой.
Архитектура - формирование действительности по законам красоты при создании зданий и сооружений, призванных обслуживать потребности человека в жилье и общественных помещениях. Архитектура создает замкнутый утилитарно-художественный освоенный мир, отграниченный от природы, противостоящий стихийной среде и позволяющий людям использовать очеловеченное пространство в соответствии с их материальными и духовными потребностями. Архитектурный образ выражает назначение здания и художественную концепцию мира и личности, представление человека о себе самом и о сути своей эпохи.
Архитектура - искусство и здания обладают определенным стилем. Благодаря архитектуре возникает составная часть «второй природы» - материальная среда, которая создана трудом человека и в которой протекает его жизнь и деятельность.
Архитектура тяготеет к ансамблевости. Ее сооружения искусно вписывают в естественный (природный) или урбанистический (городской) пейзаж. Например, здание МГУ хорошо вписывается в пейзаж Воробьевых гор, откуда открывается вид на столицу и на уходящие дали среднерусской равнины. Удачно вписано в городской пейзаж Москвы бывшее здание СЭВ (ныне здание мэрии), похожее на раскрытую книгу.
Формы архитектуры обусловлены: 1) природно (зависят от географических и климатических условий, от характера ландшафта, интенсивности солнечного света, сейсмической безопасности); 2) социально (зависят от характера общественного строя, эстетических идеалов, утилитарных и художественных потребностей общества; архитектура теснее других искусств связана с развитием производительных сил, с развитием техники).
Архитектура - и художество, и инженерия, и строительство, требующее огромного сосредоточения коллективных усилий и материальных средств (Исаакиевский собор, например, строили полмиллиона человек в течение сорока лет). Архитектурные произведения создаются на века. Творец «каменной книги» и ее «читатель» - народ. Произведение зодчества - это огромная каменная симфония, могучее творение народа, подобное «Илиаде», изумительный результат соединения всех сил целой эпохи.
Еще в древности архитектура вступала во взаимодействие с монументальной скульптурой, живописью, мозаикой, иконой. В этом синтезе архитектура доминирует. Порой литература в виде цитаты из литературного текста вступает в отношение соподчинения с зодчеством и ваянием. Известен случай и соподчиненного взаимодействия музыки с архитектурой: одна из бирманских пагод увешана колокольчиками, которые создают вокруг сооружения серебряное облако легчайшего и нежнейшего звона. Органная музыка была соподчинена с готическими соборами.
Основа архитектурной композиции - объемно-пространственная структура, органическая взаимосвязь элементов здания или ансамбля зданий. Масштаб сооружения семиотически значим и во многом определяет характер художественного образа, его монументальность или интимность. Архитектура не воспроизводит действительность изобразительно, а носит выразительный характер. Ритм, соотношение объемов, линий - средства ее выразительности. Одна из современных художественных структур - аритмия в ритме, диссонанс в гармонии (например, ансамбль зданий города Бразилия).
Архитектура зародилась в глубокой древности, на высшей ступени варварства, когда в строительстве начинают действовать законы не только необходимости, но и красоты.
В Древнем Египте строились огромные гробницы (высота пирамиды Хеопса в Гизе - около 150 м), храмы со множеством мощных колонн (в храме Амона в Карнаке высота колонн 20,4 м, а диаметр 3,4 м). Этой архитектуре присуща геометрическая четкость форм, отсутствие членений, несоразмерность масштабов сооружения и человека, подавляющая личность монументальность. Грандиозные сооружения создавались не для удовлетворения материальных потребностей народа, а во имя духовно-культовых целей и служили делу социальной организации египтян под деспотической властью фараона.
В Древней Элладе архитектура обретает демократический облик. Культовые сооружения (например, храм Парфенон) утверждают красоту, свободу, достоинство грека-гражданина. Возникают новые виды общественных построек - театры, стадионы, школы. Зодчие следуют гуманистическому принципу красоты, сформулированному Аристотелем: прекрасное - это не слишком большое и не слишком маленькое. Человек здесь выступает как мера красоты и масштабов здания, которое, в отличие от сооружений Древнего Египта, не подавляет, а возвеличивает личность, что соответствовало социальным целям афинской демократии. Зодчие античной Греции создают ордерную систему, сыгравшую большую роль в развитии архитектуры. В Древнем Риме широко применяются арочные и сводчатые конструкции из бетона. Появились новые типы сооружений: форумы, триумфальные арки, отражающие идеи государственности, военной мощи.
В Средние века архитектура становится ведущим и самым массовым видом искусства, чьи образы были доступны даже неграмотным людям. В устремленных к небу готических соборах выражался религиозный порыв к Богу и страстная земная мечта народа о счастье.
Архитектура Возрождения развивает на новой основе принципы и формы античной классики.
Классицизм канонизировал композиционные приемы античности.
С конца XVI до середины XVIII в., в эпоху становления национальных государств, сопровождавшегося войнами, развивается барокко (большое количество лепных украшений, сложность членений и пространственных соотношений, парадность, экзальтированность, контрастность форм). Сооружения в стиле барокко служили прославлению и утверждению абсолютизма (таков Версальский дворец) и католицизма (например, римская церковь Санта-Мария-делла-Виттория).
В начале XVIII в. во Франции возник и распространился по всей Европе стиль рококо (например, дворец Сан-Суси в Потсдаме) как выражение вкусов аристократии (украшательство, прихотливая орнаментальность формы, нарочитая асимметричность и сложность извилистых линий, а в интерьере - богатые росписи и большие зеркала, создающие впечатление легкости и нематериальности стен).
Во второй половине XVIII в. рококо уступает место ампиру - монументальному, величественному стилю, опирающемуся на традиции классицизма и на стиль эпохи римских императоров. Он выражает воинскую мощь и державное величие власти (например, Триумфальная арка в Париже, превосходящая арки древнего мира, или Вандомская колонна, повторяющая колонну Траяна в Риме).
Достижения русского зодчества запечатлены в кремлях, крепостных сооружениях, дворцах, культовых и гражданских зданиях. Русская архитектура богата самобытными национальными творениями (колокольня Ивана Великого, храм Василия Блаженного, постройки из дерева с их четкими конструктивными решениями и богатыми орнаментальными формами, как, например, церкви в Кижах). «Русское барокко» утверждало единство русского государства, подъем национальной жизни (творения Растрелли: Зимний дворец и ансамбли Царского Села).
В XVIII-XIX вв. вырабатываются принципы русского классицизма: ясность и выразительность архитектурного образа, простые конструктивные и художественные средства. В XIX в. утверждается эклектизм.
В ХХ в. появляются новые типы зданий: промышленные, транспортные, административные многоэтажные дома и жилые массивы. Их строительство ведется индустриальными методами с использованием новых материалов и стандартных элементов заводского изготовления. Это меняет эстетические критерии и открывает новые выразительные средства в архитектуре (в градостроительстве, например, возникает проблема художественной выразительности массовой застройки).
Украшательство, которым грешила советская архитектура 30-х - 50-х гг., тормозило ее развитие. Отказ от украшательства удешевил строительство, увеличил его масштабы и темпы, направил творческую мысль зодчих на поиски простых, выразительных собственно архитектурных решений. В этом отношении показательны Дом ветеранов кино, комплекс зданий на Новом Арбате в Москве.
Скульптура - пространственно-изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах, которые запечатлеваются в материалах, способных передать жизненный облик явлений.
Скульптурные произведения высекают из мрамора, гранита и другого камня, вырезают из дерева, лепят из глины. Мягкие материалы считаются временными, при работе с ними обычно предполагается дальнейшая отливка в более долговечные - чугун, бронзу. В наше время расширилось количество материалов, пригодных для скульптуры: возникли произведения из стали, бетона, пластмассы.
Человек - главный, но не единственный предмет скульптуры. Анималисты создают фигуры животных. Круглая скульптура может воссоздать лишь детали среды, окружающей человека. Такие виды скульптуры, как барельеф и горельеф, сближаются с живописью и графикой, и им доступно изображение пейзажа.
Ваяние всегда передает движение. Даже полный покой воспринимается в скульптуре как внутреннее движение, как состояние длящееся, протяженное не только в пространстве, но и во времени. В распоряжении ваятеля лишь один момент действия, но несущий на себе печать всего предшествующего и последующего. Это придает скульптуре динамическую выразительность. Скульптурное изображение мертвого человека передает скрытое движение, разлитое в теле, его вечный покой и последние усилия борьбы, застывшие навек. Таково изображение мертвого Христа, лежащего на коленях у Богоматери, в скульптуре «Пьета» Микеланджело. Движение спит в теле Бога-Сына, ниспадающем с колен матери и одновременно как бы сопротивляющемся этому безжизненному падению.
Восприятие скульптуры всегда последовательно разворачивается во времени, что используется в скульптурной композиции и помогает передать движение. Круговой обзор, изменение позиции, ракурса обозрения раскрывают в объемном изображении разные его стороны.
Монументальность - одна из возможностей скульптуры, обеспечивающая ей синтез с архитектурой.
В самой природе ваяния заложено широкое обобщение. Пушкин отмечал, что скульптура раскрашенная производит меньшее впечатление, чем одноцветная, раскраска отнимает у нее обобщение.
Средства изобразительности и выразительности скульптуры - свет и тень. Плоскости и поверхности изваянной фигуры, отражая свет и отбрасывая тени, создают пространственную игру форм, эстетически воздействующую на зрителей.
Бронзовая скульптура допускает резкое разделение света и тени, проницаемый же для световых лучей мрамор позволяет передать тонкую светотеневую игру. Эта особенность мрамора использовалась древними художниками; так, нежный розоватый, чуть-чуть просвечивающий мрамор статуи Венеры Милосской поразительно передает нежность и упругость тела женщины.
Скульптура - один из древнейших видов искусства, восходящий к эпохе палеолита. В ходе развития древнего общества, на основе возникших из практических потребностей магических реалий (синкретических и ритуальных по своей природе дохудожественных изображений), родилась знаковая система, способствовавшая затем художественно-образному отражению мира. Например, камень, олицетворявший зверя и служивший мишенью для нанесения ран («репетиция» охоты), заменяется натуральным чучелом зверя, а потом его скульптурным образом.
В Древнем Египте скульптура была связана с культом мертвых: убеждение, что душа жива, пока существует изображение человека, заставляло создавать долговечные скульптуры из прочнейших материалов (ливанский кедр, гранит, красный порфир, базальт). Древнеегипетской скульптуре присущи монументальность, некоторая упрощенность форм, тяготение к статичности фигур.
В Древней Греции ваяние достигло высочайшего уровня. Не случайно Гегель связывал классический (античный) период искусства именно со скульптурой. В античной скульптуре всегда живет ощущение внутренней свободы. Герой непринужден и сохраняет внутреннее достоинство, даже страдание не искажает, не обезображивает его лица, не нарушает гармонию образа (например, «Лаокоон»).
Средневековье развило монументальные формы скульптуры, находящиеся в синтезе с архитектурой. Готическая скульптура сочетала натуралистическую подробность деталей с декоративностью и динамичностью фигур, передававших напряженную духовную жизнь. Появляются и иллюзорно-фантасмагорические, аллегорические образы (например, химеры собора Парижской богоматери).
Ваятели в эпоху Возрождения создали галерею ярко индивидуализированных образов волевых, инициативных, деятельных людей.
Скульптура барокко (XVII в.) была торжественна, пафосна, парадна, полна причудливой игры света и тени, кипения клубящихся масс.
Скульптура классицизма, напротив, рационалистична, спокойна, величава, благородно проста. В XVIII в. скульптура тяготеет к социально-психологической портретной характеристике человека.
В XIX в. в скульптуре расцветает реализм: образы обретают эстетическую многогранность, историческую конкретность, бытовую и психологическую характерность.
В ХХ в. ваятели дают обобщенную, подчас символическую, трактовку скульптурных образов. Скульптура углубляет психологическое содержание изображения, расширяются возможности выражения в пластике духовной жизни эпохи.
Архитектура . Первая половина XIX в. ознаменовалась блестящим развитием архитектуры. В начале века прочные позиции в ней занимал классицизм, утвердившийся в конце XVIII в. Затем большое признание получил стиль «ампир». Ампир - разновидность классицизма (поздний классицизм), опирался на художественное наследие императорского Рима (название стиля восходит к слову «император»). Образцом совершенства воспринималась архитектура древнего мира, античные элементы (колонны, портики, фронтоны и т.д.) становились непременными деталями архитектурного оформления зданий. Этому стилю присущи монументальность, ясность и строгость линий, синтез архитектуры и скульптуры. Сооружались триумфальные арки, мемориальные колонны, здания украшались колоннадой, использовалась военная эмблематика. Наиболее яркими представителями этого направления в архитектуре были А.Н.Воронихин (1759-1814), А.Д.Захаров (1761-1811), К.И.Росси (1755-1849), Д.И.Жилярди (1785-1845).
А.Н.Воронихин выстроил Горный институт и Казанский собор в Петербурге, для которых характерен строгий монументализм. А.Д.Захаров создал здание Адмиралтейства. Он строил также госпитали, провиантские склады и магазины.
Как Александр I, так и Николай I, продолжая традиции, заложенные Петром Великим, уделяли большое внимание градостроительству. В этот период оно приняло большой размах. Создаются монументальные ансамбли Петербурга, формируются площади Северной столицы - Дворцовая, Сенатская. По проекту К.И.Росси сооружаются новые здания Сената и Синода, завершившие планировку Сенатской площади, а также Главный штаб, закончивший оформление Дворцовой площади. В 20-30-е гг. XIX в. по проектам К.И.Росси возводятся Михайловский дворец с площадью Искусств, Александринский театр, здание публичной библиотеки. Для архитектурных сооружений Росси характерны классическая строгость в сочетании с парадностью и легкостью.
В Москве стиль русского ампира имел некоторую особенность: более мягкий интимный характер. Это свойственно зданиям и ансамблям, созданным О.И.Бове (1784-1834), Д.И.Жилярди (1785-1845).
В годы, когда Москва интенсивно отстраивалась после пожара 1812 г., О.И.Бове возводит здания Большого и Малого театров, Триумфальную арку в честь победы русского народа в войне 1812 г., проводит реконструкцию Красной площади, оформляет архитектурный фасад Торговых рядов. Д.Жилярди перестраивает пострадавшее от пожара здание Московского университета. По проектам Жилярди в Москве был построен замечательный дом Луниных. А.А.Бетанкур и О.И.Бове возвели здание Манежа.
В 30-е годы наметились признаки упадка русского классицизма в архитектуре. Модными становятся псевдорусский стиль и псевдоготика, возрастает интерес к барокко. Эклектические формы классицизма и барокко нашли свое отражение в архитектуре А.А.Монферрана, чьими главными сооружениями являются Исаакиевский собор и Александровская колонна в Петербурге. А.П.Брюллов развивал в архитектуре формы псевдоготики, А.И.Штакеншнейдер - формы барокко.
По указу Николая I был создан «русско-византийский» стиль, ставший воплощением в архитектуре идеи «православия, самодержавия, народности». Его создателем стал К.А.Тон, по проекту которого были возведены храм Христа Спасителя, Большой Кремлевский дворец и Оружейная палата в Московском Кремле, здания вокзалов Николаевской железной дороги в Москве и Петербурге.
В 30-40-е гг. XIX в. архитектура начинает приобретать функционально-утилитарный характер. Это отразилось в строительстве доходных домов, которые постепенно стали вытеснять дворянские особняки. Но подавляющее большинство провинциального населения проживало в одноэтажных деревянных домах.
В первой половине XIX в. в Казани продолжается строительство жилых и общественных зданий. Значительным произведением архитектуры классицизма явилось здание Первой Казанской гимназии (сейчас это первое здание Казанского авиационного университета, ул. К.Маркса, 10). Оно было выстроено в 1808-1811 гг. по проекту архитекторов В.А.Смирнова и Я.М.Шелковникова.
Большим событием в жизни казанцев стала постройка Гостиного двора, по проекту Ф.Е.Емельянова. Фасад его был выполнен в формах русского классицизма, а колоннада, завершенная фронтоном, - в ионическом стиле.
Замечательным архитектурным ансамблем, формирующим общественный центр города, стал комплекс Казанского университета. В стиле классицизма было построено главное здание университета (архитектор П.Г.Пятницкий). Университетский городок был выстроен с участием архитектора М.П.Коринфского.
Интересное явление в архитектуре Казани - резиденция генерал-губернатора в кремле (архитектор А.К.Тон). Здание было стилизовано в византийском стиле.
Каменное строительство было характерно для центральной части города, в других районах преобладали деревянные здания. Архитектура татарских слобод свидетельствовала о восприятии элементов классицизма. В татарских богатых жилых домах классические формы сочетались с национальными особенностями.
Особый колорит придавали городу каменные и деревянные мечети, в своей архитектуре сохранившие древние местные традиций.
Таким образом градостроительство Казани отражало как современные течения в архитектуре России, так и местные традиции татарского зодчества.
Скульптура . Первая половина XIX в. отмечена расцветом русской скульптуры и в особенности ее монументальных форм. Именно в этот период создавались памятники выдающимся русским людям, надгробия, оригинальные произведения станковой и декоративной пластики. Характерной чертой русской скульптуры означенного периода являются огромные достижения в области синтеза скульптуры и архитектуры.
Крупнейшим скульптором России конца XVIII - первой половины XIX вв. и видным представителем классицизма в скульптуре является И.П.Мартос (1752-1835). Начав с мемориальной скульптуры и создав замечательные образцы в этом виде искусства (надгробия С.С.Волконской и М.П.Собакиной), к началу XIX в. он обращается к монументальному жанру.
Выдающимся произведением Мартоса является памятник Минину и Пожарскому в Москве (1804-1818). Постановка памятника напротив Кремля была символическим свидетельством патриотического подъема, который переживало российское общество в те годы. Памятник отличается строгостью и простотой силуэта, эмоциональностью образа, монументальностью пластических форм. При создании памятника скульптор решает и градостроительную задачу - соразмеряет скульптурный образ с огромной площадью. Известны и другие памятники Мартоса - памятник Ришелье в Одессе и Ломоносову в Архангельске.
Мартос внес вклад в развитие синтеза скульптуры и архитектуры, в особенности при сооружении Казанского собора в Петербурге. Он создал монументальный горельеф «Источение Моисеем воды в пустыне» (1807) на аттике колоннады собора. Мартос изобразил людей, страдающих от мучительной жажды и находящих живительную влагу, источенную Моисеем из камня.
В монументально-декоративной скульптуре начала первой четверти XIX в. с большим успехом работал Ф.Ф.Щедрин (1751-1825). К лучшим произведениям Щедрина относятся его статуи и скульптурные группы для Адмиралтейства. В аллегориях, созданных мастером, воспето величие России как морской державы, передано торжество человека над силами природы.
В русле упомянутого жанра развивалось творчество В.И.Демут-Малиновского (1779-1846) и С.С.Пименова (1782-1833). Им принадлежит основное убранство арки Главного штаба, фасадов Александринского театра, Михайловского дворца и других зданий Петербурга.
Талантливым скульптором был И.И.Теребенев (1780-1815). Наиболее значительное его произведение - горельеф «Заведение флота в России» (1812-1814), помещенный на здании Адмиралтейства. Здесь можно увидеть и портретное изображение Петра, и аллегорические образы вроде Нептуна, Минервы, и образы русских тружеников, тянущих на канатах сети, суда. Изображение сцен труда было необычным явлением в монументальной скульптуре начала XIX в.
В 30-40-е годы в развитии скульптуры происходят определенные изменения. Образы теряют прежнюю условность, становятся более реальными, но при этом утрачивают монументальность. Жизненность героев передана в творчестве Б.И.Орловского (1792-1838). Он - автор памятников героям Отечественной войны 1812 г., М.И.Кутузову (1829-1832) и М.Б.Барклаю-де-Толли (1829-1837), поставленных у Казанского собора.
Выдающаяся роль в русской скульптуре принадлежит П.К.Клодту (1805-1867). Одними из ранних крупных работ, которые принесли ему всеобщее признание, были конные группы для Аничкова моста в Петербурге (1849-1850). Не случайно их копии были подарены в Неаполь и Берлин. В этих группах выражена идея покорения человеком природы. Укрощение человеком коня передано в динамичной и темпераментной композиции. В этом произведении отразилось знание характера животного, его повадок, анатомии. Мастерство лепки, выразительность движений и красота силуэта сделали эти скульптурные группы одними из лучших украшений Петербурга.
Популярен памятник Клодта великому баснописцу И.А.Крылову, установленный в Летнем саду. Писатель изображен сидящим в глубокой задумчивости с книгой в руках, а на постаменте помещены барельефы с различными сценами из басен. Образ имеет совершенно конкретный и бытовой оттенок. Скульптор считался виртуозным мастером литья. Все свои работы Клодт отливал сам и долгое время, являясь профессором Академии художеств, руководил ее литейной мастерской.
Оригинальные работы в области медальерного искусства принадлежат Ф.П.Толстому (1783-1873). Под впечатлением событий войны 1812 г. он создал серию медальонов («Народное ополчение 1812 года», 1816; «Бородинская битва», 1816), принесшую ему подлинную славу. Его творчество способствовало развитию медальерного искусства.
Таким образом, российская архитектура и скульптура достигли больших успехов. Они представляли творческий синтез мировых европейских достижений с национальной традицией.
Музыка
Музыка занимала особое место в жизни российского общества первой половины XIX в. Музыкальное образование было необходимым компонентом воспитания и просвещения молодого человека. Музыкальная жизнь России была достаточно насыщенной. В 1802 г. было основано Русское Филармоническое общество. Для широкой публики становятся доступными ноты.
В обществе усилился интерес к камерным и публичным концертам. Особенно привлекали внимание многих композиторов, писателей, художников музыкальные вечера у А.А.Дельвига, В.Ф.Одоевского, в литературном салоне З.А.Волконской. Большим успехом у публики пользовались летние концертные сезоны в Павловске, которые стали устраиваться с 1838 г., когда сюда была проведена железная дорога из Петербурга. Неоднократно в этих концертах выступал австрийский композитор и дирижер И.Штраус.
В первые десятилетия XIX в. большое распространение получила камерно-вокальная музыка. Особенной любовью слушателей пользовались романсы А.А.Алябьева («Соловей»), А.Е.Варламова («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метет...» и др.), (романсы, песни в народном стиле - «Колокольчик», «Вьется ласточка сизокрылая...» А.Л.Гурилева).
Оперный репертуар русских театров в начале века состоял преимущественно из произведений французских и итальянских композиторов. Русская опера развивалась главным образом в жанре былинного характера. Лучшим представителем этого направления был А.Н.Верстовский, автор оперы «Аскольдова могила» (1835), а также нескольких музыкальных баллад и романсов («Черная шаль» и др.). В операх и балладах А.Н.Верстовского сказалось влияние романтизма. В опере «Аскольдова могила» отражалось характерное для романтического искусства обращение к историческим сюжетам и эпосу, который фиксировал представление народа о своем прошлом.
Приблизиться к уровню великих творений западноевропейских композиторов - Баха, Гайдна, Моцарта, Бетховена и др. можно было только на основе глубокого освоения народно-национального мелодизма с одновременным его преображением в русле основных завоеваний европейской музыкальной культуры. Эта работа началась еще в XVIII в. (Е.Формин, Ф.Дубянский, М.Соколовский) и с успехом продолжалась в первые десятилетия XIX в. А.Алябьевым, А.Гурилевым, А.Варламовым, А.Верстовским. Однако начало нового (классического) периода в развитии русской музыки связано с именем М.И.Глинки.
М.И.Глинка (1804-1857) принадлежал к дворянской фамилии из Смоленской губернии. Первые музыкальные впечатления Глинка получил от крепостного оркестра своего дяди. Русские народные песни, услышанные в детстве, оказали большое влияние на характер музыкальных произведений Глинки. В конце 20-х - начале 30-х XIX в. Глинка создал ряд выдающихся вокальных произведений, в том числе такие романсы, как «Ночной зефир» (стихи А.С.Пушкина, 1834), «Сомнение» (1838), «Я помню чудное мгновенье...» (1840). Выдающимся событием в музыкальной жизни России явилась постановка в 1836 г. оперы «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). В лице костромского крестьянина Ивана Сусанина композитор показал величие простого народа, его мужество и стойкость. Новаторство Глинки состояло в том, что представитель русского народа, русский крестьянин стал центральной фигурой музыкального повествования. Народно-героический пафос получил яркое воплощение на основе виртуозной техники и большого разнообразия вокально-инструментальных партий. Опера «Жизнь за царя» стала первой классической русской оперой, которая положила начало мировому признанию русской музыки. Великосветское общество довольно сухо встретило оперу, но истинные ценители искусства восторженно приветствовали спектакль. Поклонниками оперы были А.С.Пушкин, Н.В.Гоголь, В.Г.Белинский, В.Ф.Одоевский и др.
Вслед за первой оперой Глинка написал вторую - «Руслан и Людмила» (1842) по сказке А.С.Пушкина. На стихи Пушкина Глинка написал ряд замечательных романсов, и поныне пользующихся широкой известностью. Романс «Я помню чудное мгновенье» убеждает, насколько музыкальный стиль Глинки был близок пушкинской лирике. Глинка явился автором инструментальных пьес, симфонической поэмы «Камаринская».
Трудно переоценить вклад Глинки в развитие русской национальной музыки. Глинка - родоначальник жанров отечественной профессиональной музыки. Он создал национальную русскую оперу, русский романс. Глинка был первым русским музыкальным классиком. Он был основоположником национальной школы в музыке.
Другим замечательным композитором был А.С.Даргомыжский (1813-1869) - ученик М.И.Глинки. Для его творчества характерна большая драматическая напряженность (опера «Русалка», 1856). Даргомыжский брал сюжеты из обыденной жизни и выбирал своими героями простых людей. Русская интеллигенция приветствовала оперу Даргомыжского «Русалка», где изображалась горькая участь крестьянской девушки, обманутой князем. Это произведение было созвучно общественным настроениям предреформенной эпохи. Даргомыжский выступил новатором в музыке. Он привнес в нее новые приемы и средства музыкальной выразительности. Именно в опере Даргомыжского «Каменный гость» появился выразительный мелодичный речитатив. Декламационная форма пения оказала большое влияние на последующее развитие русской оперы.
История музыки первой половины XIX в. свидетельствует о том, что идет дальнейшее освоение жанров, появление новых приемов и средств музыкальной выразительности, освоение музыкального наследия народа. Главным итогом этого периода является возникновение музыкальной классики, создание русской национальной школы в музыке.
Искусство служит выражением мыслей, чувств, своеобразной и неповторимой личности художника, но это также зеркало культуры и истории эпохи, в которой этой личности суждено было творить. Энергия творчества, определяющая всю историю искусства, связывает единой нитью мастеров, разделенных во времени. И если смотреть с этой точки зрения, то нет необходимости рассматривать различные художественные течения и их представителей по отдельности, поскольку это разные фазы великого, непрерывного в своей поступательности движения. На смену одним поколениям приходят другие; идеи, теории и страсти стареют, как и люди, уступая место новым веяниям. Когда художнику собственным творчеством удавалось пробудить к жизни некий новый процесс глубокого духовного и художественного поиска, рождались новые стили, и нить, связывающая их с прошлым, никогда не прерывалась, сколь тонкой бы ни казалась.
Эта книга представляет историю искусства от древних цивилизаций до новейших течений: в присущих ему средствах выражения - живописи, скульптуре, архитектуре - и как панораму крупных движений, ярких мастеров и произведений, характеризующих их достижения. История изложена главами, в соответствии с основными художественными движениями и разными эпохами, и подчинена хронологическому порядку - от искусства в древнем обществе к первому расцвету средневекового творчества в эпоху каролингов, от Ренессанса к барокко, от импрессионизма и символизма XIX в. к раннему авангарду, от абстракционизма к архитектуре постмодерна. Каждая глава начинается с тезисов, объясняющих суть процесса на том или ином этапе.
Искусство в Древнем мире.
Необычные формы коммуникации и художественного выражения, прежде всего магическо-религиозного характера, отличают древнее общество: достаточно вспомнить храмы и дворцы в Месопотамии или египетские пирамиды и храмовые комплексы, но были еще декоративные изделия и красивые металлические предметы, представленные в культуре почти всех народов.
Кельты - это группа индоевропейских народностей, базировавшихся во II тыс. до н. э. в районе между верхним течением Дуная и восточной частью нынешней Франции, откуда они затем распространились (с VII в. до н. э.) почти по всей Западной Европе, на Балканы, в Италию и Малую Азию. Период этой экспансии закончился к рубежу II-I вв. до н. э., когда уже росла мощь Рима, а из глубин Азии начали накатываться волны переселявшихся германских народов. Кельтское общество, с его родо-племенной структурой, управлялось царем и пополняло ресурсы за счет войны, охоты и скотоводства. Очень сильным было чувство племенной принадлежности. Художественная продукция. Кельтское искусство характеризуется четко определенным и неизменным антинатурализмом. Погруженное в атмосферу магическую и религиозную, оно нашло свое наиболее адекватное выражение в абстрактном орнаменте, украшавшем прежде всего металлические изделия (начало железного века, первая половина I тыс. до н. э.); в нем переплавлялись все элементы, усваиваемые в контакте с разными народами.
Бесплатно скачать электронную книгу в удобном формате, смотреть и читать:
Скачать книгу Вся история искусства, Живопись, Архитектура, Скульптура, Декоративное искусство, Котельникова Т.М., 2007 - fileskachat.com, быстрое и бесплатное скачивание.
- Искусство, 9 класс, Отечественная и мировая художественная культура, Колбышева С.И., Захарина Ю.Ю., Томашева И.Г., 2019
Topic: Architecture
Тема: Архитектура
Gothic style, artistic style, which was the final stage in the development of medieval art in Western, Central and partly Eastern Europe (between the mid 12th and 15th to 16th centuries). The term "Gothic" was introduced in the Renaissance as a pejorative designation of all medieval art, considered "barbaric". From the beginning of the 19th century, when for the art of the 10th - 12th centuries. The term Romanesque was adopted, the chronological framework of Gothic was limited, in it early, mature (high) and late phases were distinguished. Gothic style developed in countries where the Catholic Church dominated, and under its aegis feudal-church foundations were preserved in the ideology and culture of the Gothic era. Gothic art remained predominantly religious in purpose and religious in subject matter: it was correlated with eternity, with "higher" irrational forces. For Gothic, the symbolic-allegorical type of thinking and the conventionality of the artistic language are characteristic. From the Romanesque style, Gothic inherited the primacy of architecture in the arts and traditional types of buildings. A special place in the art of Gothic architecture was occupied by the cathedral - the highest example of the synthesis of architecture, sculpture and painting (mainly stained-glass windows).
Готический стиль, художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой 12 и 15-16 вв.). Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося «варварским». С начала 19 в., когда для искусства 10 - 12 вв. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символико-аллегоричный тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преим. витражей).
The space of the cathedral, incommensurable with man, the verticalism of its towers and arches, the subordination of the sculpture to dynamic architrable rhythms, the multicolored radiance of the stained-glass windows had a strong emotional impact on the believers. It is difficult to find suitable words to convey the impression of Gothic cathedrals. They are high and stretch to the sky with endless arrows of towers and turrets, wimpers, phials, pointed arches. But more striking is not so much the height, as the richness of the aspects that open when you bypass the Cathedral around. Gothic cathedrals are not only high, but also very long: Chartres, for example, has a length of 130 meters, and the length of its transept is 64 meters, to get around it, it is required to pass at least half a kilometer. And from every point the cathedral looks in a new way. Unlike the Romanesque church, with its clear, easily visible forms, the Gothic cathedral is immense, often asymmetric and even heterogeneous in its parts: each of its facades with its portal is individual. The walls are not felt, they do not seem to be. Arches, galleries, towers, some platforms with arcades, huge windows, farther and farther - infinitely complex, elegant game of openwork forms. And all this space is inhabited: the cathedral inside and outside is inhabited by a mass of sculptures (in the Chartres Cathedral there are about ten thousand statues alone). They occupy not only portals and galleries, they can also be found on the roof, cornices, under the arches of chapels, on spiral staircases, they arise on drainpipes, on consoles. In short, the Gothic cathedral is a whole world. He absorbed the world of a medieval city. The development of Gothic art reflected also the cardinal changes in the structure of the medieval society: the beginning of the formation of centralized states, the growth and strengthening of cities, the nomination of secular forces - urban, commercial and craft, as well as court and knight circles. As the development of public consciousness, crafts and technology weakened the foundations of the medieval religious and dogmatic worldview, opportunities for cognition and aesthetic comprehension of the real world expanded; New architectural types and tectonic systems developed. Urban development and civil architecture were intensively developed. City architectural ensembles included cult and secular buildings, fortifications, bridges, wells. The main city square was often built up with houses with arcades, shopping and warehouses in the lower floors. From the square the main streets were divided; narrow facades of 2-, less than 3-storeyed houses with high, pediments were built along the streets and embankments. The cities were surrounded by powerful walls with richly decorated towers. The castles of kings and feudal lords gradually turned into complex complexes of serfs, palaces and religious buildings. Usually in the center of the city, dominating over its development, there was a castle or cathedral, becoming the focus of city life.In it along with the divine services, theological disputes were arranged, mysteries were played out, and meetings of townspeople took place. The cathedral was thought of as a kind of a collection of knowledge, a symbol of the universe, and its artistic system, combining solemn grandeur with passionate dynamics, the abundance of plastic motifs with a strict hierarchical system of their subordination, expressed not only the ideas of the medieval social hierarchy and the power of divine forces over man, but also growing self-awareness citizens, the creative greatness of the efforts of the human collective. The bold and complex frame structure of the Gothic cathedral, embodying the triumph of the bold engineering philosophy of man, allowed to overcome the massive nature of the Romanesque buildings, to facilitate the walls and arches, to create a dynamic unity of the internal space. In Gothic there is an enrichment and complication of the synthesis of arts, an expansion of the system of plots in which the medieval notions of the world were reflected. The only kind of fine art was sculpture, which received a rich ideological and artistic content and developed plastic forms. The stagnation and isolation of the Roman statues were replaced by the mobility of the figures, their appeal to each other and to the viewer. There was an interest in real natural forms, physical beauty and feelings of a person, a new treatment was given to the topics of motherhood, moral suffering, martyrdom and sacrificial firmness of a person. Organically intertwined in Gothic lyricism and tragic affects, sublime spirituality and social satire, fantastic grotesque and folklore, acute life observations. In the Gothic era, a book miniature flourished and altar painting appeared, the decorative art, connected with the high level of development of the craft craft, reached a high level. Gothic originated in Northern France (Ile-de-France) in the mid 12th century. and reached its heyday in the first half of the 13th century. Stone Gothic cathedrals received their classical form in France. As a rule, these are 3-5-nave basilicas with a transverse nave - a transept and a semicircular bypass of the choir ("de-ambulant"), to which radial chapels ("crown of chapels") adjoin. Their high and spacious interior is illuminated by the colored flickering of stained glass windows. The impression of an uncontrollable movement skyward and to the altar is created by rows of slender pillars, a powerful take-off of pointed pointed arches, a quickened rhythm of the arcades of the upper gallery (triforia). Due to the contrast of the high main and half-dark side naves, there is a picturesque richness of aspects, a sense of the boundlessness of space. The structural basis of the cathedral is a frame of pillars (in a mature Gothic - a bundle of columns) and leaning arches resting on them. The structure of the building consists of rectangular cells (grasses), limited by 4 pillars and 4 arches, which together with the arch-ribs form the skeleton of the cross vault, filled with lightweight small arches - formations. The lateral expanse of the arch of the main nave is transmitted by means of supporting arches (archways) to external pillars-buttresses. The walls released from the load in the intervals between the pillars are cut through the arched windows. Neutralization of the arch of the arch at the expense of bringing out the main structural elements allowed to create a sense of ease and spatial freedom of the interior. The 2-towered western facades of the French cathedrals with three "perspective" portals and a patterned round window ("rose") in the center combine the ascendance with the clear balance of the divisions. On the facades vary pointed arches and rich architectural and plastic and decorative details - patterned wimpergies, vials, crabs, etc. Statues on consoles in front of columns of portals and in their upper arched gallery, reliefs on socles and tympanums of portals, and also on capitals columns form a whole story system, which includes characters and episodes of Scripture, aplegorical images. The best works of Gothic plastics - the statues of the facades of the cathedrals in Chartres, Reims, Amiens, Strasbourg are imbued with spiritual beauty, sincerity and nobility of feelings.The decor is rhythmically organized and strictly subordinated to the architectural divisions of the facade, which determined the harmonious tectonics and proportions of the statues, the solemnity of their poses and gestures. Other parts of the temples were also decorated with reliefs, statues, plant ornament, images of fantastic animals; characterized by an abundance in the decor of secular motifs (scenes of work of artisans and peasants, grotesque and satirical images). The themes of stained-glass windows are also diverse, in the range of which red, blue and yellow tones predominated. The existing Gothic frame system appeared in the church of the abbey of Saint-Denis (1137-44). Early Gothic also includes cathedrals in Lana, Paris, Chartres. The richness of the rhythm, the perfection of the architectural composition and the sculptural decoration are distinguished by the grandiose cathedrals of the mature Gothic in Reims and Amiens, as well as the chapel of Saint-Chapelle in Paris (1243-48) with numerous stained-glass windows. From the middle of the 13th century. majestic cathedrals were built in ancient European countries - in Germany (in Cologne), the Netherlands (in Utrecht), Spain (Burgos, 1221-1599), Great Britain (Westminster Abbey in London), Sweden (in Uppsala), Czech Republic (choir and transept St. Vitus Cathedral in Prague), where Gothic building techniques received a peculiar local interpretation. Crusaders brought the principles of Gothic to Rhodes, Cyprus and Syria. In the late 13 - early 14 centuries. the construction of cathedrals in France was going through a crisis: the architectural forms became drier, the decor was more plentiful, the statues received the same underlined S-shaped bend and features of courtesy. From the 14th century. great importance was acquired by the city and monastery churches, castle and palace chapels. For the late ("flaming") Gothic is characterized by a whimsical, reminiscent of the flames of the pattern of window openings (the church of Saint-Maclou in Rouen). In secular urban architecture, mainly the compositions and decorative techniques of Gothic were used. On the main square of cities were built town halls with abundant decor, often with a tower (town hall in Saint-Cantin, 1351-1509). The castles turned into majestic palaces
Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикализм его башен и сводов, подчинение скульптуры динамичным архитурным ритмам, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих. Трудно найти подходящие слова, чтобы передать впечатление от готических соборов. Они высоки и тянутся к небу бесконечными стрелами башен и башенок, вимпергов, фиалов, заостренных арок. Но больше поражает не столько высота, сколько богатство аспектов, открывающихся, когда обходишь собор кругом.Готические соборы не только высоки, но и очень протяженны: Шартрский, например, имеет в длину 130 метров, а длина его трансепта - 64 метра, чтобы обойти вокруг него, требуется пройти, по крайней мере, полкилометра. И с каждой точки собор смотрится по-новому. В отличие от романской церкви, с ее четкими, легко обозримыми формами, готический собор необозрим, часто асимметричен и даже неоднороден в своих частях: каждый из его фасадов со своим порталом индивидуален. Стены не ощущаются, их как бы и нет. Арки, галереи, башни, какие-то площадки с аркадами, громадные окна, все дальше и дальше - бесконечно сложная, изящная игра ажурных форм. И все это пространство обитаемо: собор и внутри, и снаружи населен массой скульптур (в Шартрском соборе около десяти тысяч одних только статуй). Они занимают не только порталы и галереи, их можно найти также и на кровле, карнизах, под сводами капелл, на винтовых лестницах, они возникают на водосточных трубах, на консолях. Словом, готический собор - это целый мир. Он вобрал в себя мир средневекового города.Развитие искусства готики отражало и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил - городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов. По мере развития общественного сознания, ремесла и техники ослабевали устои средневекового религиозно-догматического мировоззрения, расширялись возможности познания и эстетического осмысления реального мира; складывались новые архитектурные типы и тектонические системы. Интенсивно развивались градостроительство и гражданская архитектура. Городские архитектурные ансамбли включали культовые и светские здания, укрепления, мосты, колодцы. Главная городская площадь часто обстраивалась домами с аркадами, торговыми и складскими помещениями в нижних этажах. От площади расходились главные улицы; узкие фасады 2-, реже 3-этажных домов с высокими, фронтонами выстраивались вдоль улиц и набережных. Города окружались мощными стенами с богато украшенными проездными башнями. Замки королей и феодалов постепенно превращались в сложные комплексы крепостных, дворцовых и культовых сооружений. Обычно в центре города, господствуя над его застройкой, находился замок или собор, становившийся средоточием городской жизни. В нём наряду с богослужением устраивались богословские диспуты, разыгрывались мистерии, происходили собрания горожан. Собор мыслился своего рода сводом знания, символом Вселенной, а его художественный строй, сочетавший торжественное величие со страстной динамикой, изобилие пластических мотивов со строгой иерархичной системой их соподчинения, выражал не только идеи средневековой общественной иерархии и власти божественных сил над человеком, но и растущее самосознание горожан, творческое величие усилий человеческого коллектива.Смелая и сложная каркасная конструкция готического собора, воплотившая торжество дерзновенной инженерной мысли человека, позволила преодолеть массивность романских построек, облегчить стены и своды, создать динамичное единство внутреннего пространства. В готике происходит обогащение и усложнение синтеза искусств, расширение системы сюжетов, в которой отразились средневековые представления о мире. Осным видом изобразительного искусства была скульптура, получившая богатое идейно-художественное содержание и развитые пластические формы. Застылость и замкнутость романских статуй сменились подвижностью фигур, их обращением друг к другу и к зрителю. Возник интерес к реальным природным формам, к физической красоте и чувствам человека, новую трактовку получили темы материнства, нравственного страдания, мученичества и жертвенной стойкости человека. В готике органически переплелись лиризм и трагические аффекты, возвышенная духовность и социальная сатира, фантастический гротеск и фольклорность, острые жизненные наблюдения. В эпоху готики расцвела книжная миниатюра и появилась алтарная живопись, достигло высокого подъёма декоративное искусство, связанное с высоким уровнем развития цехового ремесла.Готика зародилась в Северной Франции (Иль-де-Франс) в середине 12 в. и достигла расцвета в 1-й половине 13 в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму. Как правило, это 3-5-нефные базилики с поперечным нефом - трансептом и полукруговым обходом хора ("деамбулаторием"), к которому примыкают радиальные капеллы ("венец капелл"). Их высокий и просторный интерьер озарён цветным мерцанием витражей. Впечатление неудержимого движения ввысь и к алтарю создаётся рядами стройных столбов, мощным взлётом остроконечных стрельчатых арок, убыстрённым ритмом аркад верхней галереи (трифория). Благодаря контрасту высокого главного и полутёмных боковых нефов возникает живописное богатство аспектов, ощущение беспредельности пространства. Конструктивная основа собора - каркас из столбов (в зрелой готике - пучка колонн) и опирающихся на них стрельчатых арок. Структура здания складывается из прямоугольных ячеек (травей), ограниченных 4 столбами и 4 арками, которые вместе с арками-нервюрами образуют остов крестового свода, заполненного облегчёнными небольшими сводами - распалубками. Боковой распор свода главного нефа передаётся с помощью опорных арок (арк¬бутанов) на наружные столбы- контрфорсы. Освобождённые от нагрузки стены в промежутках между столбами прорезаются арочными окнами. Нейтрализация распора свода за счёт вынесения наружу основных конструктивных элементов позволила создать ощущение лёгкости и пространственной свободы интерьера. 2-башенные западные фасады французских соборов с 3-мя "перспективными" порталами и узорным круглым окном ("розой") в центре сочетают устремление ввысь с ясной уравновешенностью членений. На фасадах варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические и декоративные детали - узорные вимперги, фиалы, краб6ы и т. д. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы на цоколях и в тимпанах порталов, а также на капителях колонн образуют цельную сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания, аплегорические образы. Лучшие произведения готич пластики - статуи фасадов соборов в Шартре, Реймсе, Амьене, Страсбуре проникнуты одухотворённой красотой, искренностью и благородством чувств. Декор ритмически организован и строго подчинён архитектурным членениям фасада, что обусловило стройную тектонику и пропорции статуй, торжественность их поз и жестов. Другие части храмов также украшались рельефами, статуями, растительным орнаментом, изображениями фантастических животных; характерно обилие в декоре светских мотивов (сцены труда ремесленников и крестьян, гротескные и сатирические изображения). Разнообразна и тематика витражей, в гамме которых преобладали красные, синие и жёлтые тона.Сложившаяся готическая каркасная система появилась в церкви аббатства Сен-Дени (1137-44). К ранней готике относятся также соборы в Лане, Париже, Шартре. Богатством ритма, совершенством архитектурной композиции и скульптурного декора отличаются грандиозные соборы зрелой готики в Реймсе и Амьене, а также часовня Сент-Шапель в Париже (1243-48) с многочисленными витражами. С середины 13 в. величественные соборы строились в древних европейских странах - в Германии (в Кельне), Нидерландах (в Утрехте), Испании (в Бургосе, 1221- 1599), Великобритании (Вестминстерское аббатство в Лондоне), Швеции (в Упсале), Чехии (хор и трансепт собора св. Вита в Праге), где готические строительные приёмы получили своеобразную местную интерпретацию. Крестоносцы донесли принципы готики до Родоса, Кипра и Сирии.В конце 13 - начале 14 вв. строительство соборов во Франции переживало кризис: архитектурные формы стали суше, декор обильнее, статуи получили одинаковый подчёркнутый S-образный изгиб и черты куртуазности. С 14 в. большое значение приобрели городские и монастырские зальные церкви, замковые и дворцовые капеллы. Для поздней ("пламенеющей") готики характерен прихотливый, напоминающий языки пламени узор оконных проемов (церковь Сен-Маклу в Руане). В светском городском зодчестве использовались главным образом композиции и декоративные приёмы готики. На главной площади городов строились ратуши с обильным декором, нередко с башней (ратуша в Сен-Кантене, 1351-1509). Замки превращались в величественные дворцы с богатым внутренним убранством (комплекс папского дворца в Авиньоне), строились особняки ("отели") богатых горожан.В поздней готике получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и поэолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматичной (нередко экзальтированной) экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых, переданных с беспощадной правдивостью. Появились росписи на светские сюжеты (в папском дворце в Авиньоне, 14-15 вв.). В миниатюрах (часословах) наметилось стремление к одухотворённой человечности образов, к передаче пространства и объема. К лучшим образцам французского готического декоративного искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебряные реликварии, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.В Германии расцв
АРХИТЕКТУРА, СКУЛЬПТУРА И ЖИВОПИСЬ
Наиболее полно духовную атмосферу жизни классической Греции с ее гражданственностью и гармонией отразила архитектура. Политическое и социальное устройство греческого полиса классической эпохи потребовало адекватной организации центра всей жизни гражданской общины. Архитектор Гипподам из Милета (V в. до н. э.) предложил отказаться от хаотичной застройки городов и ввести их регулярную планировку. В ее основе лежала разбивка городской территории на прямоугольные кварталы пересекающимися под прямым углом улицами и выделение нескольких функциональных центров. В соответствии с теорией Гипподама был застроен Олинф, возрожден после персидского разрушения Милет и перестроен афинский порт Пирей.
Важнейшей частью полиса были священные участки, в центре которых воздвигались величественные храмы богам-покровителям. Наиболее значительными сооружениями, созданными в дорическом ордере, были храм Посейдона в Пестуме и храм Афины Афайи на острове Эгина. В святилище Зевса в Олимпии на священном участке (Альтис) находился ряд храмов, самый величественный из которых был посвящен громовержцу. Фронтон храма, построенного архитектором Либоном, был украшен скульптурной группой, изображавшей кентавромахию – битву кентавров с лапифами. А внутри находилась знаменитая скульптура Зевса работы Фидия. Выполненная из дерева, инкрустированного золотом и слоновой костью, она была признана одним из семи чудес света.
План г. Милет: 1, 2 – рынки; 3 – стадион; 4 – театр; 5 – храм Афины; 6 – храм Сераписа
Пестум. Храм Посейдона (V в. до н.э.). Фотография
Фидий. Зевс Олимпийский. Реконструкция
Лучшим архитектурным комплексом эпохи классики является афинский Акрополь – религиозный центр полиса, где находились городские святыни. Разрушенный во время нашествия Ксеркса в 480 г. до н. э. Акрополь по инициативе Перйкла стали отстраивать по единому плану. Работы велись под руководством великого Фидия. Задуманный как памятник победы греков над персидской державой, ансамбль Акрополя наиболее полно выразил величие и торжество греческой цивилизации и ее лидера – Афин. По выражению Плутарха, в Афинах «в это время создавались произведения, необычайные по своему величию и неподражаемые по простоте и изяществу».
Олимпия. Священный участок. Реконструкция
Прорицатель и прислужница. Скульптура с фронтона храма Зевса в Олимпии (V в. до н.э.)
Проход на Акрополь вел через Пропилеи – парадный вход, украшенный портиком дорического ордера. К Пропилеям с одной стороны примыкал изящный храм богини победы Ники, а с другой – Пинакотека (картинная галерея). Центром ансамбля был Парфенон, сооруженный Иктином и Калликратом из пентелийского мрамора. Храм, посвященный Афине Парфенос (т. е. Афине Деве), был окружен дорической колоннадой, но архитекторам удалось создать ощущение легкости и торжественности сооружения.
Аполлон. Фрагмент скульптуры с фронтона храма Зевса в Олимпии (V в. до н. э.)
Скульптурный декор работы Фидия прославлял богиню Афину и ее город. В храме стояла деревянная скульптура Афины, инкрустированная золотом и слоновой костью. Фронтоны храма были украшены скульптурами на темы двух мифов – о споре Афины и Посейдона за обладание Аттикой и о рождении Афины из головы Зевса. Рельефы на метопах (плитах фриза) изображали битвы греков с амазонками и кентаврами, что символизировало борьбу добра и прогресса со злом и отсталостью. Стены украшало скульптурное изображение величественного шествия на Великих Панафинеях. Фриз Парфенона считается вершиной греческого искусства эпохи высокой классики. Он поражает пластичностью и динамизмом изображения более чем 500 фигур, ни одна из которых не повторяется. Фидий также создал бронзовую скульптуру Афины Воительницы, которая была установлена на площади перед Парфеноном.
Пропилеи на афинском Акрополе (V в. до н. э.).Фотография
Пропилеи на афинском Акрополе Фотография
Афины. Парфенон (V в. до н. э.). Фотография
В ансамбль Акрополя входит и Эрехтейн – небольшой храм с асимметричной планировкой и тремя различными портиками, один из которых поддерживают кариатиды. Он был сооружен на том месте, где, по преданию, произошел спор между Афиной и Посейдоном, и посвящен Афине, Посейдону и легендарному царю Эрехтею. У стены храма росла священная олива, подаренная Афиной, а в скале было углубление, якобы оставленное трезубцем Посендона. Архитектурный ансамбл ь афинского Акрополя стал эталоном красоты и гармонии на века.
Выдающиеся скульпторы эпохи классики своими произведениями прославляли идеальных граждан и величие эллинского мира. Они преодолели условность архаической скульптуры и создали образ человека гармоничного, физически совершенного, с богатым духовным миром. Кроме гениального Фидия, в Афинах в V в. до н.э. работал Мирон. Его самая известная статуя «Дискобол». Скульптор мастерски передал сложную динамику движения тела атлета в момент броска.
Интерьер Парфенона, Реконструкция
Афины. Эрехтейон (V в. до н.э.) Фотография
Скульптор Поликлёт из Аргоса не только изображал физически совершенные тела атлетов, но и вычислил идеальные пропорции мужского тела, ставшие каноном для греческих ваятелей. Всемирно известными стали его фигуры «Дорифор» (копьеносец) и «Диадумен» (атлет, надевающий повязку победителя). Греческие скульпторы V в. до н. э. ассоциировали расцвет полисной цивилизации с образами человека, полного гармоничного величия и ясного спокойствия.
Искусство Древней Греции IV в. до н. э., с одной стороны, отмечено рядом важных достижений (в частности, в зтот период был создан коринфский ордер), а с другой снижением пафоса героизма и гражданственности, обращением к индивидуальному миру человека, что было связано с общим кризисом полиса. В работах Скопаса нашли отражение сильные, страстные человеческие чувства, выплеснувшиеся в энергичном движении («Менада»).
Афины. Портик кариатид Эрехтейона Фотография
Афины. Храм Ники Аптерос (V в. до н.э.) Фотография
Тонкая передача внутреннего мира человека, красоты отдыхающего тела, характерна для творчества Праксителя («Отдыхающий сатир», «Гермес с младенцем Дионисом»). Он первым показал возвышенную красоту обнаженного женского тела: его «Афродита Книдская» уже в древности считалась «лучшим произведением из существуюицгх во Вселенной».
Стремленнем запечатлеть в скульптуре мимолетное движение («Апокспомен») отмечено творчество Лисиппа. Он был придворным скульптором Александра Македонского и создал ряд выразительных портретов великого полководца. Скульпторы IV в. до п. э., завершив развитие классического искусства, открыли дорогу искусству нового типа, неклассического.
Мирон. Дискобол (V в. до н. э.)
Поликлет. Дорифор (V в. до н. э.)
Скопас. Менада, или Вакханка (IV в. до н.э.)
Праксителъ. Афродита Книдская (IV в. до н.э.)
Пракситель . Гермес с младенцем Дионисом (IV в. до н. э.)
Лисипп. Отдыхающий Гермес (IV в. до н. э.)
Одним из известнейших художников V в. до н.э. был Полигнот, творчество которого связано с Афинами. Он создавал картины в технике энкаустики – работал жидкими восковыми красками. Используя лишь четыре краски, Полигнот первым из живописцев научился воссоздавать объем пространства и фигур, выразительность жестов. Его современник Аполлодор первым применил в живописи эффект светотени и попытался передать перспективу.
Хотя работы древнегреческих живописцев не сохранились, представление о достижениях художников дает вазопись, где в это время господствует краснофигурный стиль, который позволял достаточно реалистично передавать объем тел и создавать многофигурные композиции, в центре которых стоял человек.
Краснофигурный стамнос (V в. до н. э.)
Данный текст является ознакомительным фрагментом. Из книги История России. XIX век. 8 класс автора Киселев Александр Федотович§ 36. АРХИТЕКТУРА, ЖИВОПИСЬ, СКУЛЬПТУРА Архитектура. Русско-византийский стиль, появление которого связано с именем К. А. Тона, многие современники оценивали критически. Русские зодчие стремились возродить национальные традиции в архитектуре. Эти идеи воплощал А. М.
Из книги Императорская Россия автора Анисимов Евгений ВикторовичЖивопись и скульптура Академия художеств при Екатерине стала важнейшим центром развития искусства в России XVIII века. Хорошо устроенная по продуманному плану, под внимательным и добрым присмотром ее куратора И. И. Шувалова, Академия художеств была «оранжереей», в которой
Из книги История России от древнейших времен до начала XX века автора Фроянов Игорь ЯковлевичЖивопись. Скульптура Реалистические традиции в живописи продолжало Товарищество передвижных художественных выставок. Продолжали работать такие крупнейшие представители передвижнической живописи, как В.М.Васнецов, П.Е.Репин, В.И.Суриков, В.Д.Поленов и др. В конце XIX в.
автора Вёрман Карл Из книги История искусства всех времен и народов. Том 2 [Европейское искусство средних веков] автора Вёрман Карл Из книги Древняя Греция автора Ляпустин Борис СергеевичАРХИТЕКТУРА, СКУЛЬПТУРА И ЖИВОПИСЬ Наиболее полно духовную атмосферу жизни классической Греции с ее гражданственностью и гармонией отразила архитектура. Политическое и социальное устройство греческого полиса классической эпохи потребовало адекватной организации
Из книги История города Рима в Средние века автора Грегоровиус Фердинанд4. Изобразительные искусства. - Скульптура. - Статуя Карла Анжуйского в Капитолии. - Статуя в честь Бонифация VIII. - Живопись. - Стенная живопись. - Джотто работает в Риме. - Развитие мозаичной живописи. - Трибуны работы Иакова де Туррита. - Навичелла Джотто в
Из книги Величие Древнего Египта автора Мюррей Маргарет Из книги История Кореи: с древности до начала XXI в. автора Курбанов Сергей Олегович§ 5. Скульптура, живопись, ремесло Принято считать, что история скульптуры началась в Корее с проникновения и распространения буддийской скульптуры, поскольку ничего более раннего обнаружить не удалось. С другой стороны, рельефные изображения на стенах гробниц и
автора Куманецкий КазимежЖИВОПИСЬ И СКУЛЬПТУРА Начав покорять мир, римляне знакомились со все новыми способами украшения домов и храмов, в том числе с фресковой живописью. С традициями эллинистических фресок тесно связан первый римский стиль живописи - так называемый помпейский, изученный по
Из книги История культуры древней Греции и Рима автора Куманецкий КазимежАРХИТЕКТУРА, СКУЛЬПТУРА, ЖИВОПИСЬ Республиканский Рим с его узкими улочками (шириной от 4 до 7 м), кирпичными многоэтажными доходными домами и тесным старым Форумом не мог, конечно, сравниться с современными ему эллинистическими городами Востока: Александрией Египетской
Из книги Всемирная история. Том 3 Век железа автора Бадак Александр НиколаевичАрхитектура и скульптура VII–VI вв. до н. э. в истории архаической Греции связаны с расцветом каменной архитектуры. Постройка жилых зданий и портовых сооружений была связана с оживлением хозяйственной жизни, с колонизацией и с развитием торговли. Общественные здания из
Из книги История древнего мира [Восток, Греция, Рим] автора Немировский Александр АркадьевичАрхитектура и скульптура Развитие римской архитектуры и скульптуры проходило под сильным греческим и этрусским влиянием. В частности, у этрусков практичные римляне заимствовали некоторые приемы строительной техники. Профессиональные достижения этрусских умельцев
автора Константинова С В4. Живопись, архитектура и скульптура В непростых условиях сегодня находится российская живопись и скульптура. Официальным портретистом Президента РФ В. В. Путина Никасом Сафроновым выполнено большое количество портретов Президента, а также деятелей мировой культуры
Из книги История мировой и отечественной культуры: конспект лекций автора Константинова С В5. Архитектура и скульптура 5. В художественной культуре Возрождения одно из ведущих мест занимает архитектура. Характерными особенностями архитектуры в этот период становятся:1) увеличение масштабов гражданского, светского строительства;2) изменение характера
Из книги История мировой и отечественной культуры: конспект лекций автора Константинова С В5. Живопись, архитектура и скульптура В изобразительном искусстве распространяются идеи романтизма и критического реализма. В тяжелой атмосфере Испании рубежа XVIII–XIX вв. сформировалось творчество Франсиско Гойи (1746–1828). Интерес к внутреннему миру человека, его